Es necesario entender el arte dancístico como una práctica crítica, incluyente, diversa y compleja, no como un ejercicio de exhibición
Redacción / El Sol De Hermosillo
Evoé Sotelo / Colaboradora
Hermosillo, Sonora, 28 febrero de 2025.
En el imaginario universal de la danza escénica, prevalece fundamentalmente la idea del cuerpo entrenado del intérprete como la materia de la danza y como medio y fin en sí mismo de la expresión artística producida desde este campo disciplinario.
Quien es “artista” de la danza suele sentir el compromiso de hacer visible su entrenamiento, se siente empujado a legitimar su acción con sudor, con fuerza muscular, con riesgo físico. ¿Puede el cuerpo escénico de la danza expresar con contundencia y verdad desde un lugar distinto, sin sentirse culpable, infractor, temeroso; sin sentirse farsante?
Por otra parte, en términos generales, la persona que es espectadora de danza escénica espera involucrarse en una experiencia sustentada en la exhibición de ciertos refinamientos: la dificultad y complejidad física de la acción corporal que se desempeña, la exposición de una maquinaria corporal extracotidiana y con perfecta anatomía, una exhibición (casi morbosa) de control muscular y energético y el despliegue de autosuficiencia y efectividad hiperdinámica que excede muchas veces la medida de lo justo y necesario, recordándonos que el principio de “menos es más” no nos representa cuando las ganas de brillar son tantas.
Este vínculo jerarquizante con la danza, entendida desde una forma relacional tradicional, establece de inicio una distancia real y simbólica entre las partes que participan y construyen la experiencia. Prevalece la noción implícita de que, quien hace danza, es diferente a quien observa o atestigua la danza. Desde este sistema precario de relaciones, para que la danza sea “plena” es necesario que afiance su naturaleza inaccesible, y se consolide como objeto de deseo para los seres mundanos a partir de la exaltación desmedida de sus “virtudes”: perfección, belleza, fuerza, vitalidad, riesgo; todas ellas, atributos igualmente aplicables a infinidad de objetos mercadeables de diversa índole, producidos dentro del sistema capitalista mundial.
Existe aquí una clara y añeja relación de sometimiento convenido entre artistas y la audiencia, que es éticamente inviable e infructífera para el desarrollo de propuestas escénicas comprometidas con establecer un debate crítico sobre nuestro momento histórico y con la emancipación del discurso de los cuerpos en el arte, entendidos como meros instrumentos de placer estético, sometidos, reducidos y vulnerados. Los cuerpos críticos en el arte, hoy en día, buscan erradicar los mecanismos de sometimiento que históricamente han definido las formas de relación, entrenamiento, representación, difusión y apropiación del arte dancístico.
El sometimiento ha sido el mecanismo a través del cual artistas y públicos han construido a lo largo de la historia su idílica relación en torno a la danza. La actitud pasiva de los públicos y el afán de dominio, autosuficiencia y autoridad simbólica de artistas, son roles predeterminados que llaman a la comodidad de ambas partes, asegurando la permanencia del funcionamiento de un esquema social, político y cultural alimentado –a niveles degradantes– por la lógica hegemónica del mercado mundial de las artes, tendiente a la reducción, alienación y banalización de la expresión humana en el campo de la expresión artística. Dentro de este panorama, nuestras formas de consumo, apreciación y participación se reducen muchas veces al ejercicio compulsivo de producción, distribución, consumo y desecho de contenidos estéticos accesibles e inocuos, cuya circulación resta posibilidades a la discusión y problematización en torno al pensamiento artístico actual, crítico y desestabilizador, indispensable para la producción de hallazgos y para el surgimiento de nuevas rutas expresivas en el arte.
Hoy en día el arte dancístico no puede concebirse como un ejercicio de exhibición, es necesario entenderlo como una práctica crítica, incluyente, diversa y compleja a través de la cual se generan oportunidades para desestabilizar nuestras nociones sobre el arte y la vida misma; se cuestiona la tradición y se arriesga nuestro dominio disciplinario en aras de permitir un ejercicio de contaminación consentida entre distintos territorios de conocimiento, que permita imaginar nuevas rutas para la expansión y problematización de la expresión humana en el arte.
