Música electrónica: del underground al expediente oficial

Dicho estilo musical, nacido en la informalidad y la disidencia, empieza a ser reconocido por los Estados como patrimonio, oficio y política cultural, pero ¿a qué costo?

IMAGEN CREADA CON IA — **Durante parte** del siglo XX y lo que va del XXI, la música electrónica creció al margen de las instituciones culturales / Imagen generada con IA

Ángel Ponce

Por años, la música electrónica fue considerada una expresión marginal, ligada al ocio nocturno y al entretenimiento juvenil. Pero recientes decisiones en Alemania, Francia y Chile revelan un cambio profundo: el Estado comienza a reconocerla como patrimonio cultural, industria creativa y oficio profesional. ¿Pero por qué ocurre este giro institucional y qué implica en términos culturales y laborales? ¿Y cómo se redefine en estos países -y en los que se sumen a la lista en el futuro- la relación entre música, ciudad y políticas públicas?

Durante buena parte del siglo XX y lo que va del XXI, la música electrónica creció al margen de las instituciones culturales. Se desarrolló en clubes, bodegas, espacios industriales abandonados y fiestas autogestionadas, muchas veces en franca tensión con las autoridades, cuerpos de seguridad y marcos legales restrictivos.

En numerosos contextos, estas escenas fueron asociadas al desorden, al consumo de sustancias y a dinámicas ilegales, lo que reforzó su exclusión de las políticas culturales oficiales. Sin embargo, su impacto social, económico y simbólico ha obligado a algunos países a replantear su posición frente a un fenómeno que dejó de ser subcultura para convertirse en un componente estructural de la vida urbana contemporánea.

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En los últimos años, ese cambio comenzó a materializarse en decisiones concretas. Alemania y Francia avanzaron en el reconocimiento de la música electrónica como patrimonio cultural inmaterial, mientras que Chile optó por un camino distinto, pero complementario: el de la certificación oficial del trabajo del DJ como oficio profesional.

Aunque con enfoques diferentes, los tres casos reflejan una misma tendencia: la institucionalización de una práctica cultural que históricamente operó en los márgenes, pero que hoy resulta central para la economía creativa y la identidad cultural de las ciudades.

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Alemania a la vanguardia

Este fue el primer caso en llamar la atención internacional. En 2024, la cultura techno de Berlín fue incorporada al inventario nacional del patrimonio cultural inmaterial. La decisión respondió a una preocupación creciente dentro de la propia escena: el cierre sostenido de clubes emblemáticos debido a la gentrificación, el aumento de rentas y las transformaciones urbanas amenazaba con diluir una cultura que surgió tras la caída del Muro y que definió la identidad de la ciudad durante décadas.

En 2024, la cultura techno de Berlín fue incorporada al inventario nacional del patrimonio cultural inmaterial como respuesta al cierre sostenido de clubes emblemáticos

Para autoridades y colectivos culturales, el reconocimiento busca salvaguardar no sólo la música, sino el entramado social que la sostiene: espacios de encuentro, rituales colectivos, códigos de convivencia y valores de inclusión, diversidad y experimentación que marcaron a generaciones enteras.

Como consignamos en estas mismas páginas en su momento, fue el 13 de marzo de 2024 cuando la Comisión Alemana para la UNESCO incluyó oficialmente la cultura techno de Berlín en su Registro nacional de Patrimonio Cultural Inmaterial, argumentando la vocación de diversidad, respeto, libertad, inclusión de comunidades marginadas y espacio creativo en edificios postindustriales donde se desarrolló esta música.

En este renglón es obligatoria la mención desde los pioneros del género hasta quienes lo llevaron más allá de las fronteras de su país, entre ellos WestBam, Dr. Motte, Tresor Collective, Basic Channel, DJ Hell o Modeselektor, entre muchos otros.

Orgullo francés

Francia siguió una ruta distinta, enfocada en el valor simbólico y cultural de la llamada “french touch”. A finales de 2025, el Estado francés incluyó oficialmente la música electrónica en su inventario nacional de patrimonio cultural inmaterial. El gesto implicó reconocer al género como parte legítima del patrimonio contemporáneo del país, al nivel de otras expresiones culturales históricas tradicionalmente protegidas por el Estado.

El patrimonio cultural inmaterial no protege objetos, sino prácticas vivas que las comunidades reconocen como parte de su identidad

La medida también respondió a una estrategia cultural y diplomática: consolidar la música electrónica como un activo de identidad nacional con proyección internacional. Además, abrió la puerta a la valorización institucional de clubes y festivales como espacios de creación artística, reforzando su papel dentro del ecosistema cultural francés.

En este apartado han destacado a nivel global nombres como Air, Bob Sinclar, Cassius, Daft Punk, Étienne de Crécy, Laurent Garnier, Mr. Oizo, Phoenix, Sébastien Tellier, The Supermen Lovers y un largo etcétera.

En ambos casos, el concepto de patrimonio cultural inmaterial resulta central. A diferencia del patrimonio arquitectónico o arqueológico, este tipo de reconocimiento no protege objetos, sino prácticas vivas: formas de creación, transmisión y encuentro que las comunidades consideran parte de su identidad. Para los Estados, esto implica documentar, promover y generar condiciones para que estas expresiones continúen desarrollándose, incluso cuando evolucionan o se transforman. La patrimonialización, en este sentido, no busca congelar la cultura, sino legitimarla y dotarla de herramientas de protección frente a presiones económicas y urbanas.

El primer caso en Latinoamérica

Chile optó por una estrategia distinta a la de los europeos, pero alineada con el mismo diagnóstico. A través de ChileValora, el país aprobó el perfil profesional del DJ, permitiendo su certificación oficial. Este paso reconoce que la labor del DJ no es un pasatiempo ni una moda, sino un trabajo con competencias técnicas específicas, saberes especializados y valor económico.

Uno de los objetivos de la certificación es facilitar el acceso a capacitación y ampliar la protección social de quienes trabajan en la industria musical

La certificación busca ordenar un campo históricamente informal, mejorar condiciones laborales, facilitar el acceso a capacitación y abrir la posibilidad de una mayor protección social para quienes desarrollan su actividad en la industria musical.

Más allá de las diferencias entre patrimonialización y certificación, las motivaciones convergen. En los tres países, la música electrónica es entendida como una industria creativa capaz de generar empleo, atraer turismo y proyectar identidad cultural.

También se reconoce su peso social: los clubes y festivales funcionan como espacios de encuentro, expresión y construcción comunitaria, especialmente para generaciones jóvenes y colectivos históricamente excluidos de los circuitos culturales tradicionales.

En el caso chileno, destacan nombres como Ricardo Villalobos, Matías Aguayo, Cristian Vogel, Argenis Brito, Nicolás Jaar y DJ Raff, entre otros.

No todo es color de rosa

El impacto potencial de estas medidas es amplio. Para artistas y DJs, significan legitimidad, visibilidad y nuevas oportunidades de apoyo institucional. Para clubes y promotores, ofrecen herramientas para dialogar con autoridades y defender su función cultural frente a presiones regulatorias y urbanas. Para el Estado, consolidan estrategias de ciudad creativa y modernización de las políticas culturales. Para la sociedad, amplían la noción de patrimonio al incluir expresiones nacidas en el presente y ligadas a la vida cotidiana de las ciudades.

Sin embargo, el proceso no está exento de tensiones. La institucionalización de una cultura surgida en la informalidad plantea riesgos: burocratización, estandarización o pérdida de autonomía creativa. El desafío será diseñar políticas públicas que reconozcan y protejan sin neutralizar la diversidad, la disidencia y el carácter experimental que dieron origen a estas escenas.

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Lo cierto es que algo ha cambiado. La música electrónica ya no sólo ocupa pistas de baile y festivales; comienza a ocupar registros oficiales, marcos legales y agendas públicas.

En ese tránsito, el Estado redefine qué entiende por cultura y patrimonio, y reconoce que las expresiones contemporáneas también forman parte de la historia colectiva.

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